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ARTE & PARTE. El arte después del D20




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Mi estética y método

Alan Taylor, compositor londinense, nos acerca sus reflexiones sobre la música actual y su particular manera de abordarla.

Alan Taylor | Compositor y Director
24-set-2004

Mi respuesta. Elementos de mi estética y métodos

a) Crear dramas en lo abstracto

Quisiera describir cómo he respondido a esta situación difícil para los compositores.

No soy un compositor con una formación académica. No he estado escribiendo desde mi juventud. Empecé a componer cuando tenía cuarenta años, cuando habían pasado décadas de una vida llena, interesante, variada y a veces muy estresada, y continúo con tal vida. Siempre he estado ocupado en actividades creativas, en las artes, en asuntos políticos y en mis trabajos varios.

Soy un compositor en gran parte auto-didacta, pero fui admitido como estudiante con dos de los compositores más conocidos en el Reino Unido.

En mi música, trato de reflejar las experiencias de mi vida, como experiencias de estar vivo en nuestra época. Quizás mis experiencias no sean interesantes. Quizás sí. Depende si reflejan las experiencias en la sociedad en que vivo, espero que sí.

Quisiera mostrar este aspecto de mi música con referencia al "Trío para cuerdas" que escribí hace unos años. La obra consiste en fragmentos que crecen hasta varios puntos de conflicto, pero con elementos de melodía también. Termina con un regreso a fragmentos de la primera parte.

Concibo la experiencia moderna como fragmentada, imposible de pronosticar y a veces sorprendida. Los acontecimientos ocurren en momentos que no podemos prever, no según un ciclo regular.

Junto a este fondo tratamos de expresar sentimientos y de comunicarnos con otra gente. Tenemos éxito a veces, a veces no. Las experiencias se detienen sin conclusiones determinadas, perdidas en la ambigüedad.

Esta explicación de la obra ilustra un aspecto fundamental de mi música y estética, el concepto del proceso dramatico, como narrativo.

Las obras de los siglos XVIII y XIX están estructuradas alrededor de un proceso fundamentalmente armónico. La base del drama es la progresión armónica. El sistema diatónico resulta de este concepto de drama, con progresiones gravitacionales, jerarquías de acordes, etcétera.

En los primeros años del siglo XX este sistema se derrumbó. Se habían escrito miniaturas como los de Scriabin, obras con dramas extra-musical como Pierrot Lunaire de Schoenberg y obras con programas personales como las sinfonías de Mahler.

Me parece que los músicos estaban buscando nuevas formas de drama musical. Es interesante que al público en general no le guste la música actual como música abstracta, pero le gusta cuando la encuentra cómo música de película, con un drama visual y los sucesos de la película para interpretar la música.

Me parece que necesitamos encontrar formas de drama musical independiente de la armonía, que contenga aspectos de la música de película, pero que no dependa de algo exterior de la música para interpretarla, o escribir obras con algo como las palabras de una canción para dar la estructura dramática.

Me parece que la música del compositor franco-americano, Edgar Varese, está entre lo más importante de la música del siglo XX, mucho más importante que el serialismo. Consiste en procesos dramáticos abstractos dentro de un concepto dramático indicado por el título de cada obra.

Cuando concibo una obra, siempre hago dos tareas: analizar las ideas musicales iniciales y sus implicaciones armónicas y sus posibilidades dramaticas; y también desarrollar una estructura dramática para la obra. Cuando he establecido estos dos elementos, empiezo a escribir.

Trato de establecer este sentido de drama en cada obra, por dos razones. Sin un proceso dramático, una obra va a aburrir. También, un proceso de drama, pero sin estructura jerárquica y sin conclusión determinada, me parece como una reflexión de la experiencia de vivir hoy en día.

Mi "Trío para cuerdas" expone las experiencias de vida de una persona. Las ideas reflejadas en el trío tienen su origen en mis experiencias. La obra consiste en algo más que jugar con sonidos.

Esta es mi conclusión primera. La música tiene que resultar de vivir y participar en la vida y la sociedad. No debe ser vista como un juego académico, escrita en un vacío.

También, resulta en una música fundada en una forma de drama narrativo, pero en lo abstracto. El drama da la estructura, no la armonía.



b) Escribir pensando en los músicos

He escrito muchas obras para grupos de nivel amateur, por ejemplo obras para orquesta sin instrumentos especificados. Una tiene el título de "Al recibir las noticias de la muerte de Alfred Schnittke".

Alfred Schnittke fue un compositor ruso, perseguido por Stalin y me gusta mucho su música. Murió hace unos años, en el momento que estaba estudiando su música en un curso, su concierto para piano. Ei tema de la clase era acerca del concierto para piano en la música actual.

Un poco después, un grupo me invitó a escribir una obra nueva, un grupo de músicos que tocan varios instrumentos y que incluye un pianista.

Concebí una obra escrita en memoria de Schnittke que se puede ejecutar con varios instrumentos, sin que el grupo incluya pianistas. También, es una obra escrita para músicos amateurs.

Espero que en la obra se destaquen estas características:
  • interés para cada músico
  • nivel de dificuldad no alto
  • la posibilidad de ejecutarlo con cualquier música que haya disponibles, sin que haya pianista.

La gran parte de mis obras están escritas para músicos amateurs, que por supuesto, son la gran mayoría de los músicos. Escribo para amateurs porque estos músicos necesitan un sentido para meterse en una obra para realizarla bien. No se les paga para tocar.

Así, el contenido de la música tiene que comunicar a los músicos y por esto al público. El énfasis debe estar en el contenido, no la destreza técnica.

Cuando escribo, trato de pensar en cada músico, como ser humano y como va a experimentar el papel que le he dado para hacer. Trato de dar a todos el sentido de que su rol contribuye a la obra. Me parece que la música escrita para amateurs debe estar escrita para un proceso como éste.

Pero, no se puede ganar dinero escribiendo para amateurs. Estas obras no serán ejecutadas en salas importantes u oídas por públicos grandes. En contraste, espero que grupos pequeños de músicos y públicos distribuido por el mundo vayan a disfrutar mi música.

Me parece que los compositores tienen que elegir si quieren escribir para ganar dinero o para comunicar con los músicos y el público. Las características de la música actual hacen difícil de combinar estos dos objetivos.

Personalmente, he eligido ganar dinero con otras actividades y escribir música que mucha gente puede tocar y disfrutar.



c) La politica de participación, el público tiene que entender el contenido

Reconozco que el público va a oir una obra mía una vez, nada más. Es importante que la obra comunique la primera vez y también que los músicos entiendan bien lo que la obra está tratando de comunicar. Trato de escribir obras que comunican directamente, temas públicos algunas veces y temas privados otras.

Mi obra "Aftershocks" es una más sin instrumentación especificada. Tiene un contenido político y a su vez personal.

La forma y carácter de la obra fueron inspirados por sucesos en América Central, un terremoto y los choques que ocurrieron después del mismo.

Pero, no es una obra descriptiva, no escribo música que describe sucesos o sitios. Es una reacción personal, más como la reacción de una persona a cualquier cambio o suceso desastroso impuesto por fuerzas que no se pueden evitar, una crísis económica por ejemplo. Hoy en día mucha gente sufre las consecuencias de cambios impuestos.

Es una obra con un tema para que la gente se pueda relacionar. Consiste en música que la mayoría de los músicos pueden tocar.

Estas cualidades, comunicación directa, accesibilidad técnica, son raros en la música actual. La política de mis obras es una política de participación, el público tiene que participar en la música y puede entenderla y relacionarse con la música. Es música para tocar, para participar, no para vender como mercancía.



d) Usar la armonía para crear el fondo, no el drama

Quisiera describir un poco mis métodos armónicos.

Cuando escribes música, siempre es necesario elegir y usar un sistema de composición, para limitar las opciones infinitas que existen y para dar estructura y consecuencia a la música.

Las obras más efectivas de música son, desde mi punto de vista, las obras más organizadas, pero, en los casos de los mejores compositores el proceso de organizar una obra es subconsciente en gran parte.

Cada sistema de organización de música tiene su propia ideología. Es la razón por que creo que es muy difícil para un compositor honesto (honest composer) escribir música diatónica hoy en día. Este sistema es una expresión de la ideología del siglo XVIII. No percibimos el mundo así hoy en día.

En cuento al serialismo, no me parece un sistema para hoy, pero, hay ideas importantes derivadas del serialismo. Este sistema resultó de las circunstancias después de la Primera Guerra Mundial. El sistema se derrumbó en el período después de la Segunda Guerra Mundial, cuando varios compositores intentaron desarrollarlo y establecerlo como método de derivar del sistema todos los elementos de una obra.

El problema fundamental es que el serialismo es un sistema para evitar un sentido de dirección en la música. El público encuentra dificuldades en oir, entender o comprender la estructura de la música.

Pero, es interesante que Anton Webern desarrolló, en sus últimos años, un sistema de series incompletas, la serie de tonos.

Después de la ruptura del serialismo, se han desarrollado muchísimas alternativas, el minimalismo (que me parece una música sin desafíos, sólo para vender en un mercado), el post-modernismo, etcétera. Vivimos en una época en la que existe una selección enorme de estilos musicales. Esto refleja el carácter de nuestros tiempos. Estamos en contacto con numerosas culturas e influencias. Cada compositor tiene su propio estilo e idioma.

Pero, a mí me parece que la falta de un estilo de nuestros tiempos es un problema. Resulta un problema para el público, también. Tiene que aprender el carácter de un nuevo estilo para entender cada obra nueva. Por esto, el público encuentra dificuldades enormes en entender obras nuevas.

También es una amenaza al rol social de la música. Es un obstáculo para los esfuerzos de juzgar obras o de describir qué quiere comunicar la música actual.

Es una reflexión de una sociedad basada en un mercado competitivo, sin un sentido de crítica de esta sociedad o análisis de su carácter.

He empezado a usar un método derivado de las experiencias del serialismo y de los métodos de compositores como Olivier Messaien, el uso de escalas no tradicionales. También, mi música contiene elementos derivados del minimalismo y del post-modernismo, elementos de repetición, elementos estáticos y de referencias a otras músicas.

Principalmente, selecciono una serie de tonos o escala, para cada obra, o cada sección de una obra y la escribo solamente en esta serie de tonos.

Resulta que cada obra tiene un carácter distinto, pero sin sentido de gravitación al tónico como en las escalas diatónicas. A veces he empleado escalas tradicionales, pero no las diatónicas, como el modo tradicional de la iglesia católica. Normalmente, invento de nuevo la serie de tonos o escala o la derivo de las ideas melódicas iniciales de la obra.

No me gusta la música sin un sentido bastante claro de referencias al mundo fuera de la obra o a estilos históricos o conocidos. Este método me da esta posibilidad y también un método para evitar la música direccional diatónica y la música sin dirección como el serialismo.

No quiero eliminar conexiones con otras músicas para inventar un sistema nuevo mío. Quisiera derivar mi música de mi entorno musical y tanbién social y político.





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