Mujeres rosarinas en el Arte. Graciela Sacco

Graciela Sacco tiene la mirada puesta al intercambio de lo público y lo privado, a la imagen múltiple, especialmente la fotográfica vinculada con la imagen publicitaria; las estrategias estéticas puestas al servicio del mercado, sobre la cual, le permite reflexionar y concluir en propuestas que materializa en el espacio institucional como urbano. Su obra tienen los códigos de la calle, del afuera, y la que trabaja en el interior, los códigos del adentro. Las relaciones entre arte y vida cotidiana la llevan a desarrollar una búsqueda en función de ampliar los tradicionales circuitos de la obra artística.

Graciela Sacco manifiesta que el discurso de la imagen actual es generada a partir del desarrollo de la tecnología de punta, de la multiplicidad, del uso estratégico de espacios públicos y privado y que asienta sus bases en la preeminencia de una cultura que privilegia sustancialmente lo icónico.

La artista, afirma Andrea Giunta, recurre a medios que le permiten utilizar un conjunto de imágenes referidas, casi siempre, al cuerpo humano (rostros, bocas, cuerpos, manos). Este recorrido de la mirada opera como soporte y parámetro que le permite revisar el acontecer social. El recorrido que emprende con sus imágenes también encierra la pregunta acerca del lugar del arte y de la cultura actual en la Argentina . La década del treinta y del sesenta, son dos momentos del arte rosarino que se plantea las relaciones entre arte y el espacio social; en la producción reciente de la artista se reconocen citas fragmentarias o comentarios sobre ellos.

La producción de Graciela Sacco se inscribe en el neoconceptualismo, y su objeto plástico se circunscribe al uso sistemático de la heliografía, un procedimiento empleado, hasta hace poco, para la reproducción de dibujo técnico y así obtener copias duplicadas de los originales, ellos están dibujados sobre papel transparente y es transferido a un opaco (¹). La artista traslada estas impresiones sobre diversas superficies y soportes, a materiales que utiliza en sus diferentes realizaciones: estampillas, afiches, objetos, instalaciones y otras veces en intervenciones urbanas.

En la Primera Semana de arte de Rosario, (2005) -28 de marzo al 3 de abril - Graciela Sacco, propone la continuidad de la serie Sombras del Sur y del Norte; juegos de oposiciones para dos puntos diferenciados, no sólo cardinalmente, sino entre el poder y la abundancia y la impotencia y la pobreza. La intervención se sitúa en la línea divisoria (línea de edificación) límite de lo privado y lo público, ambientado en un local comercial de ropa masculina; en la única y amplia vidriera extiende una amplia pantalla divisoria blanca y translúcida (soporte de proyección de la obra), que desde la vereda el transeúnte ocasional puede visualizar las siluetas de los maniquíes del escaparate. La acción propuesta tiene un tiempo señalado, es en el cierre del local y justo al anochecer, ámbito ideal para el factor sorpresa; desde el interior un dispositivo grabado produce una repentina explosión: es el impacto de una piedra sobre el vidrio, sorpresivo, sonoro, provocador, breve y contundente; ilusoria agresión, y aquellas repetidas palabras: quien esté libre de culpa que arroje la primera piedra.



Obra de la Artista

"Bocanada" de Graciela Sacco

En la Bienal de San Pablo de 1996, la artista expone la culminación de un proceso, es una Instalación de la serie Bocanada (¹); la imagen impresión heliográfica (²), es una gran boca abierta de distintos personajes, anónimos personajes, que desde1993 viene trabajando mediante diversos procedimientos; a veces, son afiches que se mimetizan con los otros carteles publicitarios que están y llenan los muros, escenografía callejera que va rotando por diferentes ciudades.

En la otra variante, los sellos postales es la unidad que construye a obra; estas estampillas - en un número de 9.000 -, invaden y se apropian cubriendo el espacio para, con ellas, generar la instalación - testimonio de estos tiempos - que se desplazan y se multiplican en diferentes direcciones, en pisos y paredes, produciendo, por el quiebre de ortogonalidad de las paredes, una atmósfera de inestabilidad. El salón presenta la envolvente de los pequeños módulos - toda una humanidad - cuyo ordenamiento alternado y rítmico marca la acentuada dirección del centro. Para ese centro se destina una mesa, protagonizando el espacio plástico, acentuada por la luz. La superficie de la misma revela la impresión de un mapa, y en esa virtual topografía que corresponde a América Latina, un humilde tenedor descarga su filo (¿garras?), capturando a su presa: un sello postal, representativos de los otros; es el gran grito de la boca. Es dolor. Metáfora del dolor del semejante, de su gente.


(¹) Esta instalación estuvo expuesta en Rosario, en el Parque España, poco después de la Bienal.

(²) La heliografía está basada en la acción química de la luz sobre los cuerpos. A partir del contacto de una luz -natural o artificial-, con una superficie emulsionada en una solución de sales, durante un lapso de tiempo determinado, será ésta alterada con una marca lumínica. Sometida luego, en una cámara cerrada de vapor de amoníaco, se hacen visibles esas marcas, se hacen visibles esas marcas; se hacen visibles las imágenes heliográficas, las escrituras solares.